Vanguardias en el Cine

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Vanguardias en el Cine (1920-1930)

 Las vanguardias buscaban romper con la narrativa convencional y crear un producto artística que no fuera para el espectador popular, sino que fuera mas allá y ser un objeto artístico. Las siguientes vanguardias floreciaron en la década de los 20 y 30, teniendo sus altas y bajas, y casi todas se pueden asociar a otra forma de arte, ya sea pintura y/o música y exponen el clima político de la época en la cual se desarrolló.

Surrealismo

El Surrealismo surge con el Manifiesto Surrealista del poeta francés, Andre Bretón en el 1924. Este movimiento artístico se incorpora al cine siendo irracionalista neurótico y caótico. Para entender el surrealismo, debemos mencionar las teorías de Sigmund Freud sobre el subconsciente y psicoanálisis y su relación con la personalidad humana. Aquí hacemos referencia a lo onírico y los fenómenos soterrados por la consciencia. El elemento central del surrealismo fue el automatismo puro. Combinaba la imagen con sensaciones y expresión de sentimientos. Aunque parecían irracionales, buscaban precisamente eso, romper con la lógica del tiempo.

André Bretón dijo, “Voy a definirla, de una vez para siempre: surrealismo: sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresar verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral”.

El surrealismo atacaba el orden lógico y moral además de otorgarle a las imágenes un valor en sí mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y secuencias.

Varios pintores como Fernard Léger, Man Ray y Salvador Dalí participaron en cine. La Concha y el Reverendo (1928) de Germaine Dulac, Un Perro Andaluz (1929) y La Edad de Oro (1930) de Luis Buñuel son obras destacadas de la vanguardia cinematográfica.  La simbología del surrealismo atrajo a muchos europeos occidentales que vivían bajo régimen represivos.  Hoy en día vemos mucha referencia de surrealismo en las obras de David Lynch como Blue Velvet (1986) y Eraserhead (1977) además de Being John Malcovich (1999) de Charlie Kaufman.

Cine Soviético

Desde el inicio de la Revolución de Octubre del 1917 se mostró una explosión de creatividad en todas las formas de arte. La prioridad de este momento era reafirmar la sociedad soviética a través del arte, y la mejor manera de hacerlo era utilizar el cine. Este nuevo medio era ideal para su propósito creando un efecto revolucionario principalmente en el montaje. Se encontraban en el frente del movimiento para llevar arte a la unión con la vida cotidiana. Rechazaban la doctrina burguesa que establecía que el arte se hacía por arte, sino que se debía tener un sentido mayor e integrarse con la sociedad para reconstruirla. Creían en la frase de Lenin que decía que la función del cine era mantener el fervor revolucionario.

“Un cine revolucionario para la revolución”. Por primera vez una nación utiliza este medio para inculcar sus ideologías políticas. Las autoridades soviéticas ponían como requisito cierto nivel de experimentación con el motivo de mantener un estado revolucionario.  Por esto es que el cine soviético se planta como un cine innovador donde se dan a conocer nuevas técnicas, especialmente en el montaje. Se da a conocer el montaje intelectual, el montaje de atracciones, la separación de géneros de ficción y documental, y el Kino-Glaz o Cine Ojo.

No debemos de dejar de mencionar la aplicación de principios bolcheviques donde los contenidos muestran ausencia de protagonistas y montaje de atracciones que se hace evidente en el clásico ‘El Acorazado Potemkin’ de Sergei Eisentein.

También La Madre (1926)de  V. Pudonskin, Dura Lex (1926) de  Lev Kuleshov, Octubre (1927) de Einsenstein, y  El hombre de la cámara (1929) de Dziga Vertov son claras muestras de lo anterior.

El Kino-Glaz o Cine Ojo de Dziga Vertov tiene como elementos principales: conseguir una objetividad total e integral en la captación de las imágenes; captar las imágenes sin una preparación previa; piensa que la cámara ve mejor que el ojo humano; rechazo al guion, a la puesta en escena, a los decorados, a los actores profesionales; uso del montaje para unificar los fragmentos extraídos de la realidad. 

Dadaismo

El dadaísmo esta compuesto por una aparente incoherencia de las imágenes que rechazan por completo los principios del cine narrativo. Quería crear una sensación de rechazo a los pretenciosos movimientos anteriores.

Dentro del dadaísmo surge el cinema púr o Cine Pur que es un término que destaca la importancia del cine como arte sin la intrusión de otras formas artísticas. Los artistas, que muchas veces experimentaba con el cine por primera vez, querían provocar al espectador desde una perspectiva más dadaísta.

Las obras artísticas más destacadas dentro del dadaísmo son Ballet Mecanique de Fernand Lèger, Francia (1924), Anemic Cinema de Marcel Duchamp, Francia (1926) y Le retour à la raison (1923) de Man Ray.

Cine actual: herencia, continuidad o ruptura del cine en sus orígenes.

Es difícil generalizar el cine en la actualidad por la gran diversificación que existe. Ya casi todo los país cuentan con su propia industria del cine que trae consigo nuevas temáticas e historias que tienden mostrar la realidad de su país que siempre reflejan su cultura. No obstante, entiendo que el cine actual es un resultado del cine anterior. No hay nuevas experiencias en el cine. Sí tenemos nuevas tecnologías que brindan una mejoría en efectos especiales y la nitidez de la imagen, sin embargo estamos viendo la intención de efectos especiales desde George Meléis. Al ver una película actual podemos encontrar pinceladas de aquellos principios que establecieron los antecesores del cine. Luego de las vanguardias cinematográficas de la décadas de los 20 y 30, conocemos el neorrealismo italiano, la nueva ola francesa y vamos viendo como el cine va creciendo en todas las regiones del mundo que aportan a esta arte. Pero luego de esto, no hemos podido encontrar un hueco en esta arte. Incluso, sentimos que somos afortunados de tener grandes directores como Martin Scorsese, que no se le quite su influencia de film noir, Quentin

Tarantino con su afición por las B-movies italianas, y Wes Anderson con su clara referencia a Jean Luc Godard. Esto no es una desventaja, sino que se nos facilitará la manera de contar una historia, una vida, una realidad social. Si las vanguardias me han enseñado algo que tienen en común es el hecho que todos tenían la necesidad de contar y exponer una problemática. El cine es una de las herramientas más fuertes de difusión de ideas e ideales. Esto me dice que  hemos heredado y continuado con lo que nos han enseñado los grandes del cine, pero no nos hemos podido desapegar de sus enseñanzas.

 

ESCRITO POR ISABELLA BRETON

@Isafueradefoco

 


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